En esta ocasión quisiera poder hablar de una película que en cierto sentido cambio mi visión como realizador: “25 Watts” de los realizadores  Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella en la cual nos muestran una sociedad uruguaya que cae bajo una especie de “hueva descomunal”  en la que podemos observar a unos jóvenes ejercer esta práctica mas allá de las razones comunes.

Tengo que hacer un paréntesis importante en el sentido de la película y mucho más en el sentido del cine que se realizaba en Uruguay en esos años ya que prácticamente el cine uruguayo antes de esta película era casi nulo además de horrible y en cierto sentido aburrido (tenemos que tomar como ejemplo ciertas películas como: Me gustan los estudiantes, el dirigible, etc.

Aun que (y es importante decirlo) la experiencia que tuve en Montevideo (en el sentido de la sociedad uruguaya) es que son personas bastante cultas y que conocen muy bien la importancia de el crecimiento de su propia cultura pero también el intentar salir de esa sombra que se hace en todo el mundo en comparar su cine (el uruguayo) con el cine argentino y tener que sortear las criticas de películas que se habían realizado que no solo son aburridas si no también muy mal realizadas. En ese caso considero que el filme de 25 watts ayudó a poder crear una nueva ola dentro de la estructura del nuevo cine uruguayo y como con ello empezaron a surgir filmes con una calidad no solo estética si no también técnica.

La película se centra en un día “común y corriente” de tres amigos en particular: leche, javi y seba. Por Montevideo. No hay mucho que describir en sí, la película es una comedia/dramática que nos muestra un día  en la vida de estos chicos.

Si pudiéramos describir la película, “25 watts” caería en un sentido de estructura de la pieza dramática y teatral ya que podemos observar una especie de espacio realista, situaciones obvias y cambios casi siempre inesperados pero a la vez que caen dentro de una lógica en la estructura lineal de la historia. Esto es importante ya que muchos estamos tan acostumbrados al montaje americano (y en cierto sentido europeo el cual no cae lejos de lo mismo) ya que la mayoría de los espectadores necesitan el poder de “no pensar” mas allá de la historia que nos muestran en pantalla.

La escasez de recursos no es pretexto para no poder realizar una buena película (si tan solo mis alumnos lo comprendieran) y tal escasez de recursos es casi sinónimo a lo que la sociedad uruguaya vivía (o en cierta manera vive). En una especie de letargo juvenil donde existe una especie de monotonía y flojera que simplemente te lleva a dudar de: ¿Qué hacer ahora? Cosa que es importante, esa negación de acción unida a esa necesidad donde la sociedad te presiona para poder tener éxito en cosas que hasta en cierta manera no te interesan las cuales se ven reflejadas de una manera casi magistral dentro de este filme… además ¿Qué sociedad no se sentiría identificada dentro de estos parámetros?

La insatisfacción de una especie de nueva sociedad juvenil, a la que apresuradamente les diré “ninis”, es algo que podría decirse está presente en la hipótesis de esta película. Jóvenes que tienen sueños, ganas de cambiar algunas cosas pero a la vez la poca capacidad de encontrar un buen trabajo (a pesar de que se estudie) no ayuda más que a estancarse en un mundo repleto de necesidades no solo económicas si no también intelectuales.

La repetición y el letargo es algo que nos acompañara en la película a lo largo y ancho ya que podemos ver cosas como: el hámster no para de girar en la rueda que se encuentra en su jaula, el disco rayado que una y otra vez nos recuerda su existencia, el poder pensar en un elevador donde el leche imagina como va a poder entablar un dialogo con su vecino mostrándonos esa monotonía increíble y como la bocina que repite una y otra y otra y otra vez las mismas cosas.

La película tiene un buen argumento y una capacidad técnica increíble. Tenemos que tener en cuenta que Pablo Stoll se ocupaba mucho mas de todas las cuestiones técnicas de la película mientras Juan Pablo Rebella se dirige muchísimo más a la dirección de actores creando una unión entre estética y técnica de una manera increíble.  La importancia de que la película este en blanco y negro (creo que se hizo así por cuestiones de costo) ayudan mucho a poder ingresar de una forma más “amable” a la mente de los chicos y como ese letargo que les inunda todo su ser no solo se encuentra en ellos si no que también inunda toda la pantalla para poder entender todas sus “frustraciones”.  Documental dramático  sobre la realidad no solo de la juventud uruguaya en estos momentos sino también de la juventud a nivel internacional donde podemos analizarnos a nosotros mismos frente a un espejo para poder intentar (espero en un futuro próximo) recuperar aquello que debió pertenecernos… ¿Qué cosa? Nadie lo sabe.

 

-Gerardito no es taradito nene…es distinto-

Tyrannosaur // critica a un filme de Paddy Considine

TITULO ORIGINAL: Tyrannosaur

ORIGEN: Inglaterra (2011)

DIRECCIÓN: Paddy Considine

FOTOGRAFÍA: Erik Wilson

MUSICA: Dan Baker y Chris Baldwin
GENERO: Drama

DURACION: 91 min

 

El encuentro de una santurrona (interpretada por Olivia Colman) y un alcohólico con problemas de ira y depresión (interpretado por Peter Mullan) nos llevan a un mundo lleno de claro oscuras miradas que simplemente se encuentran allí, donde casi todos hemos estado…observando, pero sin querer intervenir.

 

El director Paddy Considine nos muestra en este filme una vida casi desgarradora de la clase media inglesa que en cierto sentido no se encuentra lejos de nuestras propias conductas humanas. Tenemos que tomar en cuenta la calidad actoral que se presenta haciendo que nosotros podamos incorporarnos y entender todos los problemas por los que están pasando los personajes y deteniéndonos a poder reflexionar en muchos sentidos las cualidades de vida de la sociedad. En ese sentido podemos observar como un hombre lleno de ira y pena puede encontrar a una beata que a pesar de todo lleva un pesar en sus hombros y como ellos pueden encontrar un camino para poder soportar los estragos que normalmente (y en otras nos tanto) nos entrega la vida. Un filme con una fuerte carga social y psicológica que nos lleva a poder encontrarnos a muchos de nosotros frente a un espejo y poder recapacitar sobre la verdadera naturaleza del hombre.

La bien lograda dirección y fotografía única a una capacidad de actuación hace que la película tenga una atmosfera cargada de emociones a pesar de los diferentes puntos de vista que podemos encontrar en ella. Una historia de amor, pero más que eso, de cariño que el hombre y la mujer tanto necesitamos en ciertos momentos de nuestra vida, más que nada momentos de pena, abandono y dolor en la cual casi todos podríamos sentirnos identificados. Todos los personajes buscan refugio, tanto de manera literal como psicológica lo cual hace que nosotros podamos identificarnos a una manera de claustrofobia las ideas que podrían estar pasando por sus mentes. Hay que destacar que la limpia calidad de dirección y del grandioso manejo de cámara hacen notar los espacios y los colores jugando con una cierta atmosfera en la que juega la música (hecha por Dan Baker y Chris Baldwin) prácticamente como un tercer personaje que simplemente esta allí observando de manera casi silente.

Drama desgarrador, caótico, fuerte; pero a su vez elegante, limpio el cual nos muestra las necesidades del ser humano en su estado más puro y animal. La narrativa de la película nos muestra todas las facetas de una realidad a la cual casi todos queremos huir para no poder sufrir ciertas estructuras personales y hasta en cierto sentido culturales.

Una dirección sublime, con un guion muy bueno y una calidad de fotografía, montaje y música realizados de una manera casi magistral.

 

Todo animal aguanta cierto grado de humillación antes de atacar…-

Joseph.

Hacer el Oso // crítica a la película de Ted

TITULO ORIGINAL: TED

ORIGEN: Estados Unidos (2012)

DIRECCIÓN: Seth MacFarlane

FOTOGRAFÍA: Michael Barrett
MÚSICA: Walter Murphy
GENERO: Comedia fantastica

DURACION: 106 min

 

 

Todos aquellos osos de peluches que a muchos nos gustaban de niños y que románticamente a muchas chicas les gustan todavía se pueden ir al demonio, ya que en esta película ácida de un humor algo directo y poco vulgar, raro para alguien como Seth MacFarlane creador de series como Family Guy (cancelada por un tiempo y que después volvió al aire por petición y presión de los fans) nos dan un respiro en una época en donde en Estados Unidos se encuentran en etapa de elecciones y también a nosotros los latinoamericanos (más que nada en mi país México) nos ayuda a poder voltear la cara y reírnos un poco para poder escapar de la realidad.

TED nos muestra como en una especie de sátira contemporánea como el mejor amigo de un niño, en este caso un oso de felpa, cobra vida y crece a la par de su mejor amigo humano. Los dos una especie de chicos treintañeros sin oficio y beneficio tienen un gusto por las drogas  y el sexo (más que nada el oso..que extrañamente no tiene pene) pero tenemos que tener en cuenta una cosa, este oso que desde ahora llamare Ted, podría parecer un mal amigo; uno de esos amigos tontos, locos, mariguanos, drogadictos, borrachos… pero también nos muestran en lado de un buen amigo fiel, confiable, divertido, en cierto sentido sincero y con el que siempre podrás contar lo cual le da ese tono especial a este filme.

Tenemos que tomar en cuenta a los actores involucrados en la película. Observamos a Mark Wahlberg (acusado hace poco de racismo contra asiáticos y gente de color) que poniendo eso de lado no lo hace nada mal en un sentido de la persona preocupada por su amigo Ted y también por querer mejorar su vida. En otro lado tenemos a Mila Kunis (que dentro del otro lado del espejo ella tiene ascendencia judía – ucraniana) la cual hace de la novia cariñosa pero que prácticamente cree que puede decidir sobre una amistad creyendo que sus ideas son lo mejor para todos. El propio Seth M. como el oso amigo algo despreocupado pero a la ves un fiel acompañanete, casi como un hermano. Y tal vez no sea alguien de relevancia pero tengo que agregar a Sam J. Jones (un completo americano) que en el pasado ha salido junto a Kurt Russel y Arnold Schwarzenegger y es mucho más conocido por el filme que lo puso en la cúspide… Flash Gordon.

Lo genial de esta película es la cantidad de chistes que ruborizarían al sacerdote mas devoto en todo sentido: sexo, drogas, política, etc. Muy al estilo del director pero es justo eso la que no la hace ser una película del todo buena… es obvio saber qué tipo de humor se hará. También es obvio en que terminara (no estoy diciendo ningún spoiler… es simple cordura) lo interesante es la capacidad de autocritica y el aceptar ciertos chistes que muchos consideran en cierto sentido más que ofensivos pero aun así siempre se puede contar con un amigo… ¿no?

 

—…Violación mental, Pánico de gorila y Esto es permanente…—
Ted comentando cierto tipo de droga.

Shokujin


 

TITULO ORIGINAL: Jiro Dreams of Sushi (Jiro Dreams of Sushi)

ORIGEN: Japón (2012)

DIRECCIÓN: David Gelb

FOTOGRAFÍA: David Gelb
MÚSICA: David Gelb
GENERO: Documental

DURACION: 81 Minutos

PRODUCTORA: Magnolia Pictures

 

Shokunin

Por: Alfredo “frodo”  A. Garrido P.

Estando sentado, ya frente a la pantalla gigante para poder empezar a ver este documental, me llegó un pensamiento súbitamente: -¿Qué diablos estoy haciendo viendo un documental sobre la vida de un cocinero de sushi?-… cosa graciosa, ya que al escuchar la música de Philip Glass y la gran dirección de David Gelb me callaron la boca.

¿De que va este documental? ¿Cuál es su importancia en dicho sentido? ¿Es sobre comida? ¿Es sobre la vida de Jiro? Un poco de todo tal vez, cosa que lo hace grandioso en muchos sentidos. Jiro simplemente es dueño y chef de un pequeño restaurante de sushi en una estación del metro de Tokio pero tal es la calidad de los alimentos allí que ha ganado reconocimiento a nivel mundial por ganar tres estrellas Michelín (uno de los galardones mas grandes en la industria gastronómica), ser nombrado un Tesoro de la Nación Nipona, entre muchos otros. Entonces a lo largo del documental podemos ver una propuesta poética y rítmica marcada por el montaje de una manera muy sutil unida a una calidad visual y narrativa que nos acerca a la reflexión y a esa capacidad de critica que hace que nosotros los espectadores entendamos (en cierta medida) la importancia del arduo trabajo de este personaje de mas de 85 años.

Jiro Ono es el dueño y chef principal de “Sukiyabashi Jiro”, un hombre que a simple vista parece débil, frio, enclenque en muchos sentidos. Pero que ama trabajar, ama preparar sushi y podemos ver el día con día de su trabajo. Obviamente no podemos estar sin un conflicto en la historia, aparecen varios personajes: críticos gastronómicos, comensales, viejos discípulos (también nuevos), vendedores de arroz, atún, camarón y de los mas importantes sus dos hijos que relatan la importancia del sushi y como ha cambiado este sus vidas. El director nos muestra en diferentes partes de la película cómo Jiro (y sus hijos) han tenido una fuerte carga por el trabajo que tienen que realizar todos los días… y tal vez, de una forma romántica como piensan en la calidad de sus productos; el amor que le impregnan a su preparación y la importancia del sabor de estos para con el cliente.

Siento que la característica más importante del documental es el variado ritmo que posee. Ya que a pesar de que comenzamos con una propuesta de montaje lenta, romántica con música de Tchaikovsky; tenemos cambios de ritmo (y de propuestas visuales) tomando por ejemplo la venta por medio de subastas de atún en el mercado de pescado de Tokio donde el retumbar de tambores hacen casi hipnótica los movimientos y venta de estos enormes pescados en las madrugadas de Japón.

Los monólogos de todos los personajes son importantes, ya que nos muestran como ha cambiado el trabajar en ese pequeño restaurante de sushi a lo largo de sus vidas. Como la mano “invisible” de Jiro esta allá para poder aprender de él y como esto les ha ayudado a mejorar en sus vidas, a pesar de que hayan sufrido tanto en el trayecto para llegar a ese resultado. Lo importante en esto es que el documental nos hace reflexionar en el sentido de la importancia del trabajo como un medio para obtener dinero y la asociación que tiene este con la búsqueda de bienes materiales. De una manera muy elegante el documental logra cuestionar esta idea y nos deja recapacitar en un sentido de la relación de la cultura con esta idea y como algunas personas trabajan para mejorar y aprender… ser los mejores.

Shokunin  puede traducirse en “artesano” es lo que Jiro Ono y todos los trabajadores que están en ese pequeño restaurante de sushi en una estación de Tokio son (o buscan ser), dominar las técnicas de realización de la comida, eliminar distracciones, y acercarse lo mas posible a la perfección.

-jamás he odiado este trabajo, me enamore de él y le entregue mi vida…-
Jiro Ono